11.10.2025 – 09.11.2025

Общество «А-Я» открывает новый выставочный сезон проектом петербургской художницы Маши Ивановой «Условная конструкция».

В основе выставки лежит многолетний проект Ag, который постоянно пополняется. Построенный на ассоциациях, он испытывает влияние игровых практик сюрреалистов, а также использует их принцип — сбор большого количества теоретических и визуальных материалов с последующей интуитивной переработкой в художественное высказывание.

В «Условной конструкции» художница исследует тему физической природы и хрупкости человеческого тела с помощью метода фотоассамбляжа. Ассамбляж (фр. assemblage — «соединение») — техника, родственная коллажу, но подразумевающая использование объёмных деталей или целых предметов, скомпонованных на плоскости. Предметные инсталляции расширяют возможности фотографии, придавая ей фактуру и объём, что позволяет художнице конструировать сложные и уникальные образы. В работах Маши Ивановой хрупкость и гибкость тела противопоставляются холодности и жёсткости металла, остроте железных игл. Человек на фотографии подвижен, а материал статичен. Сочетая эти противоположные свойства, художница возводит «условные конструкции», в которых ставит под сомнение традиционное представление о теле и предмете.

Маша Иванова — междисциплинарная художница, искусствовед. Окончила факультет истории искусств СПбГУ и программу «Современные художественные стратегии» в Институте современного искусства Иосифа Бакштейна. В центре её художественного исследования — осмысление современных семейных ролей. Особое внимание она уделяет выбору медиума и материала, работая с коллажем, ассамбляжем, деревянными объектами и создавая зины.

В рамках выставки художница проведет мастер-класс по фотоассамбляжу 26 октября и арт-медиацию 8 ноября.

Вход — 200 рублей.

Общество «А-Я» продолжает совместный с РОСФОТО проект «Современная российская фотография», который знакомит зрителя с творчеством талантливых фотохудожников из регионов России. Новая выставка «Гонконг. Эмоциональный трип»— это фотохроника странствий автора. В экспозиции представлены черно-белые фотографии художника Паши Вэйса (Wais).

Паша Вэйс является одним из наиболее известных и самобытных петербургских граффити-райтеров. Его работам присуща свобода и легкость, которые позволяют ему сочетать трехмерные изображения и эффекты наслоения. Благодаря этой технике, ставшей его визитной карточкой, он создает продуманные, точные и лаконичные изображения. Паша— один из основателей известной по всему миру граффити-команды TAD. Активный участник множества выставок и фестивалей на территории России, США, Европы и Азии.

Три года назад, переживая творческий кризис, Паша открыл для себя мир аналоговой фотографии. Первым его фотоаппаратом стал Olympus Trip. Паша снимает исключительно на пленку и работает в стилистике snapshot (в пер. с англ. — «моментальный снимок»). Это хроника не того, что видит автор, а того, как он видит и чувствует. Фрагментарность, хаотичность, динамика — все это вовлекает зрителя в приключение по Гонконгу. В работах автора прослеживается визуальная эстетика легендарных японских фотографов Дайдо Мориямы и Нобуёси Араки. Морияма говорил: «В городе есть все: комедия, трагедия, панегирик, эротика. Это идеальная обстановка, место, где переплетаются людские желания. Он остается и всегда будет моей природной стихией». Эта стихийность и многослойность присуща и Вэйсу.

Трип (c англ. trip — «путешествие») — это состояние сознания, характеризуемое крайней восприимчивостью. Путешествие Паши Вэйса сродни путешествиям, описанным битником Джеком Керуаком в его всемирно известном романе «На дороге», где главный герой погружается в трип. «Гонконг. Эмоциональный трип» — это переданное через фотографию состояние и переживание, момент жизни, переосмысленный через линзу камеры. Мгновение, которое никому, кроме автора-фотографа, не дано пережить.

Специально к выставке подготовлена фотокнига. Тираж ограничен, издание можно приобрести в «А–Я» или заказать онлайн с доставкой в другой город.

! Возрастное ограничение ― 18+.

01.03.2025 – 30.03.2025

Общество «А–Я» представляет персональную выставку фотохудожницы Каати Пуолакайнен. «Заведи меня» состоит из двух проектов, которые, как высказывания, дополняют друг друга. В экспозиции они становятся единым текстом о повседневности, о ролях, которые мы играем, и о том, как мы пытаемся сохранить свою индивидуальность в мире, где границы между личным и общественным, живым и механическим, реальным и сконструированным становятся все более размытыми.

Первый проект, «Домохозяйка», — это личное высказывание о жизни, ограниченной рамками домашнего пространства. Автор, мать троих детей, через фотографию и коллаж воспроизводит свою повседневность, превращая рутину в искусство.

Второй проект, «Заводи меня», обращается к более универсальным, но не менее личным темам. Вдохновленный романом Энтони Берджесса «Заводной апельсин», он исследует тонкие формы насилия, вплетенные в ткань нашей повседневности.

Вместе эти проекты создают диалог о том, как мы существуем в мире, где повседневность становится одновременно и тюрьмой, и источником вдохновения. Выставка «Заведи меня» в Обществе «А–Я» — это размышление не только о том, как нас формирует окружающий мир, но и о том, как мы можем формировать его в ответ.

Каати Пуолакайнен (род. 1984, Мончегорск, Мурманская область) — художница, работающая на стыке фотографии, скульптуры, коллажа и инсталляции. Окончила Костромскую государственную сельскохозяйственную академию по специальности «ветеринарный врач», после чего посвятила себя искусству. С 2018 по 2020 год изучала фотографию в школе «Докдокдок» (Санкт-Петербург), а в 2020 году прошла курс Visual Room в «ФотоДепартаменте». В настоящее время живет и работает в Санкт-Петербурге, где продолжает исследовать темы идентичности, повседневности и социальных ролей через призму личного опыта.

Выставка продолжает совместный проект РОСФОТО и «А–Я» «Современная российская фотография», который знакомит зрителей с творчеством талантливых современных художников и фотографов из различных регионов России.

Вход ― 200 рублей.

06.04.2024 – 05.05.2024

Санкт-Петербургское общество «А–Я» представляет выставочный проект молодого художника Ивана Мача, который работает в технике шелкографии, фотографии, коллажа и графики. Экспозиция выставки показывает полный процесс шелкографии — от возникновения идеи, отпечатка, формирования сетки до воплощения на ткани. В проекте каждый этап создания произведения становится достойным внимания объектом искусства.

«ТУ МАЧ» — это выставка артефактов: хроника путешествия в фотографиях, сами отпечатки и созданные на их основе сетки, ткань с реализованными принтами, фотоколлажи. Кроме того, в «А–Я» представлена инсталляция, которая позволяет зрителю оказаться внутри процесса работы с образами.

История Ивана Мача, которую он рассказывает на выставке в «А–Я», началась с путешествия по Алтаю. Поверхность и рисунок скал, формы и фактуры вдохновили автора, и прямо в пути он начал «сканировать местность», собирая отпечатки при помощи литографии, которые затем воплотились на ткани.

«ТУ МАЧ» — игра слов, в которой одновременно выражается специфика проекта и процесс, состоящий из множества этапов (от английского too much — «слишком много»), а с другой стороны, буквально содержит фамилию автора.

Художник, иллюстратор и дизайнер Иван Мач родился в 1991 году в Кемерово. В искусстве начинал как уличный художник. Разрабатывая абстрактные паттерны, автор переносит их в одежду и интерьеры. В 2020 году основал собственный бренд одежды Merch Custom brand, где продолжает создавать уникальные вещи с авторскими принтами. В 2022 году прошла первая персональная выставка «МАЧ» в пространстве на Биржевой улице, 12. Помимо искусства, Иван Мач проектирует дизайн пространств в Санкт-Петербурге и Воронеже.

17.02.2024 – 24.03.2024

Санкт-Петербургское общество «А–Я» представляет первый в 2024 году выставочный проект. Это дебютная персональная выставка Владимира Стекачёва — фотографа, кинематографиста, художника. Ранее Владимир принимал участие в групповой выставке «НОРМКОР. Практики повседневности в современной молодежной фотографии» в РОСФОТО.

На выставке представлено около 200 фотографий, снятых на цифровую камеру, и два тканевых баннера. Экспериментальная экспозиция напоминает ленту в социальных сетях и знакомит зрителя с хаотичностью и парадоксами человеческой жизни. В проекте сосуществуют ирония, эстетика и антиэстетика. Автор выбирает такую потоковую форму с намерением выразить через случайные сочетания образов суть собственной жизни, состоящей из стрит-арта, поездок, встреч, индустриальных и природных ландшафтов.

Выставка является частью совместного проекта Общества «А–Я» и Государственного музейно-выставочного центра РОСФОТО «Современная российская фотография», который знакомит зрителей с творчеством талантливых современных художников и фотографов из различных регионов России. Работы автора будут переданы в коллекцию РОСФОТО.

Во время выставки в Обществе «А–Я» пройдет публичная программа с лекциями Владимира Стекачёва, показами его документальных фильмов и многим другим. 17 февраля состоится первая встреча с автором, где он расскажет о новом проекте, разнообразии его творческих методов и ответит на вопросы зрителей. За анонсами событий можно следить в социальных сетях Общества «А–Я» и на сайте.

Владимир Стекачёв (род. 1988, Москва) — кинематографист, художник и фотограф, основатель самиздата об уличном искусстве «В СТОЛ» и куратор проекта «ДЕМО016». Документальные фильмы автора рассказывают о жизни человека постсоветской эпохи. На фотографиях же отображается его практика исследований в области уличного искусства: городская среда, портреты представителей различных субкультур и элементы социально-культурного ландшафта.

09.12.2023 – 14.01.2024

Санкт-Петербургское общество «А–Я» представляет персональную выставку легенды андеграунда Олега Котельникова.

«Верь своей собаке» — спонтанная выставка, современное искусство, которое создавалось в моменте: на экспозиции представлены акварели, графика, стихотворения, написанные в ноябре — декабре 2023 года. Проект дополнен авторскими короткометражными фильмами 1980-х годов.

В канун Нового года Олег Котельников отправляет зрителю своеобразное послание, которое полностью звучит следующим образом: «Верь своей собаке, она не лает просто так». Автор призывает читающего доверяться интуиции и прислушиваться к внутреннему голосу.

Олег Котельников — живописец, поэт, художник кино, режиссер-мультипликатор и музыкант. Его творчество тесно связано с группой «Новые художники», основанной Тимуром Новиковым в Ленинграде в 1982 году. Из «Новых художников» выросла Новая академия изящных искусств, деятельность которой связана в том числе с Олегом Котельниковым.

«Котельников всегда — и в стихах, и в живописи, и в коллажах, и в кино — является воплощением паранормальных способностей производить на свет парадоксальные образы. Он — гений не только в технике удара кисти, но и в технике моментального рождения новых образов мысли — неповторимой и странной технике остроумия» (Екатерина Андреева).

«из ничего
нечто в ничто
и вечер
вечен
за мечтой»

Олег Котельников. 2023

Художник остаётся яркой и значимой фигурой арт-сцены Петербурга и Общества «А–Я», которое с 1989 года поддерживало неофициальное искусство. Так же как и журнал, Общество «А–Я» всегда стояло за право художника на творчество вне канонов или законов арт-рынка. Деятельность Общества можно сравнить с гигантской концептуальной акцией, растянувшейся на 30 лет. С этим пространством связаны самые бескомпромиссные художественные объединения: «Новая академия изящных искусств», «Митьки», «Некрореалисты», «Деревня художников», «Кружок рисования», клубы «Тоннель», «Порт» и «Мама» и т. д. По сути, история Общества «А–Я» — это история российского искусства на стыке XX и XXI веков. История, которая продолжается сегодня.

Произведения Олега Котельникова находятся в коллекции Государственной Третьяковской галереи (Москва), Государственного Русского музея (Санкт-Петербург), Центра Помпиду (Париж), Музея нонконформистского искусства (Санкт-Петербург).

Общество «А–Я» представляет выставку фотографий Сергея Гурина «Свидетели».

«Свидетели» ― выставочный проект, в котором каждая фотография и каждый запечатленный на ней персонаж рассказывают о ночной жизни города 2010-х гг.

Экспозиция объединяет более восьмидесяти фотографий, сделанных автором с 2011 по 2018 год, и разворачивает перед зрителем картину альтернативной культурной жизни Санкт-Петербурга. Ее неотъемлемой частью стала культура баров, диджей-вечеринки и неформальное общение, объединившее представителей нового поколения молодежного сообщества: художников, граффитистов, музыкантов, кураторов, дизайнеров.

Сергей Гурин ― петербургский фотограф, чье творчество получило известность после выхода книги Валерия Савчука «Философия фотографии» и выставки «Хроники Гурина». После успеха выставки, прошедшей в Бертгольд-центре в 2018 году, название архива мастера стало нарицательным.

Проект подготовлен при поддержке музейно-выставочного центра РОСФОТО. Часть работ с экспозиции передана в коллекцию музея.

Возрастное ограничение ― 18+.

Общество «А–Я» продолжает рассказывать о современных художниках и представляет персональную выставку Александра Эфроса «1» (Один).

Александр Эфрос — современный художник из Санкт-Петербурга, работает с 2011 года и экспериментирует с графикой, скульптурой, портретными ювелирными изделиями, муралами, некоммерческой татуировкой, дизайном аксессуаров и одежды, фотографией. Авторский стиль находится на стыке фигуративного и абстрактного искусства с уклоном в постэкспрессионизм.

Выставка в Обществе «А–Я» сосредотачивается на графических работах художника, созданных специально для проекта в 2024 году и ранее нигде не экспонировавшихся. «1» — это и порядковый номер, отсылающий к дебютной персональной выставке автора, и тема, которая раскрывается в экспозиции: диалог с самим собой, изолированность художника и принятие себя как единицы. В проекте поднимается тема обсессии, одержимости, фиксации на определенной идее — все это считывается в образах, которые созданы с помощью ломаных линий, контрастного сочетания оттенков пастели и полупрозрачного карандаша.

Как отмечает художник, творческий процесс для него стихиен и импульсивен, он редко рисует с моделей, а идеи приходят из воображения. На рисунках зритель видит силуэты и очертания, очищенные от лишних декоративных элементов для усиления эмоционального фокуса. Женские образы на экспозиции «мерцают», сменяя друг друга. В портретах автор не стремится записать наблюдение за объектом, а через произведения анализирует собственные чувства и затем сам становится зрителем.

Специально к проекту в Обществе «А–Я» подготовлена лимитированная авторская серия лонгсливов с работами Александра Эфроса, созданная с помощью ручной шелкографии.

Общество «А–Я» представляет персональную выставку графического дизайнера Максима Чёрного «Я хочу с тобой поговорить». Проект включает более 20 авторских рукописных плакатов, которые содержат текст и графику.

Выставка «Я хочу с тобой поговорить» выстроена вокруг трех тем: любви, ненависти и безразличия. В работах Максима Чёрного парадоксальным образом сосуществуют публичная форма плаката, который привлекает, «кричит», и интимный экспрессивный текст, авторский образный шрифт и повторяющиеся символы.

Размышления художника на вечные темы оказываются переживаниями многих, своеобразными «фрагментами речи влюбленного» и одновременно цитатами ненаписанного дневника, которые хочется запомнить.

Максим Чёрный — художник и графический дизайнер. Родился в 1989 году в Петропавловске-Камчатском. В практике экспериментирует с ручной графикой, каллиграфией, печатью. «Дизайн для меня — это связующее звено между человеком и окружающим миром, поэтому я считаю, что он должен быть прост, удобен и понятен. В своих работах я стараюсь придерживаться обдуманной простоты, логики и контраста», — делится автор.

Другие работы Максима можно посмотреть тут: https://chernydesign.tumblr.com/

Общество «А–Я» представляет новый выставочный проект Дмитрия Закунова «Структуры `antropos». Выставка обращается к двойственной природе человека, визуализируя не только пластику материальной, телесной составляющей, но и чувственные образы и мыслеформы.

Хронофотография возникла как метод записи траектории перемещения объекта при помощи фотосъемки его отдельных фаз через короткие равные интервалы времени. Метод широко используется в науке и медицине. Считается, что хронофотография стала промежуточным этапом в процессе изобретения современного кинематографа и позволила понять основные принципы записи движущегося изображения.

Техника была изобретена фотографом Эдвардом Мейбриджем в 1877 году в результате эксперимента. Дмитрий Закунов, в свою очередь, использует хронофотографию, чтобы конструировать образы, скрытые от видимого мира в плоскость бессознательных желаний и снов.

«В проекте представлены снимки, демонстрирующие как внешний аспект человеческой сущности — телесную динамику, так и обращение к внутренним процессам и образам, скрытым от видимого мира в плоскость бессознательных желаний и снов. Экспозиция разделена на две части, составляющие двойственную суть человека: тело и пространство, в котором оно живет, развивается и регрессирует, и тело, как вместилище разума, светлого или спящего, порождающего чудовищ». (Дмитрий Закунов)

Дмитрий Закунов родился в 1986 г. в Нижнем Новгороде, обучался фотографии в Университете Нью-Мексико (Альбукерке, США). На его творчество оказали влияние фотодинамические снимки Антона Джулио Брагальи, живопись Люсьена Фрейда и Фрэнсиса Бэкона.

В рамках выставки Олега Котельникова в «А-Я» пройдет ретроспективный показ некрореалистического кино.

16 декабря, суббота. 16:00

Олег Котельников был участником объединения «Некрореалисты», которое возникло в 1980-х в Ленинграде в среде «Новых художников». Отцом некрореализма считается Евгений Юфит. Среди сподвижников были Олег Котельников, Андрей Мёртвый (Курмаярцев), Евгений Дебил (Кондратьев), Юрий Циркуль (Красев), Алексей Трупырь (Константинов).

Некрореализм – это художественное направление-оксюморон, объединяющее двойственную природу жизни и смерти: мертво (некро) и живо (реализм). Течение берет свое начало от «гаражного кино» – «независимый жанр, в котором не существует устоявшихся законов и норм логики. В нем все делается спонтанно и в сжатые сроки, места для взвешенной операторской работы или режиссуры не предусмотрено. Первые работы некрореалистов на пленке – это короткие фильмы-клипы, похожие на немое демоническое кино». (За вашу и нашу смерть: кино ленинградского некрореализма. Эдуард Голубев. Искусство кино. 2018).

В программе фильмы Андрея Мертвого, Дениса Кузьмина и Бориса Казакова.

Программа:

«Мочебуйцы-труполовы»

16мм., ч.б.,10 мин., 1989г.

Режиссер: Андрей Мертвый

В фильме снимались: Сергей Чернов, Евгений Юфит, Игорь Безруков, Евгений Кондратьев, Серёжа Алонсе, Алеша Матвеев, Ждан, Макс, Поднатуженный и др.

«Йетилион»

16мм., ч.б., 16 мин., 2021г.

Авторы: А.Курмаярцев (Мертвый), О.Котельников, И.Нургалиев, Ж.Баранов, С.Степанова, А.Камаева, В.Герасимов

В фильме снимались: А. Аникеенко, В. Герасимов, Т. Юфит, А. Гусев, А. Хлобыстин, А. Купцов, Ю. Хираи, Е. Юфит, С. Климов, О. Котельников, Н. Балашов, М. Пуля, С. Стив, К. Климов, М. Хлобыстин, Фауст, Д. и О. Савины.

«Девочка и медведь»

9 мин., 1999г.

В основе фильма — рассказ Андрея Мертвого

Текст читает: Владислав Герасимов

В фильме использованы картины: Евгения Юфита, Евгения Кондратьева, Андрея Мертвого, Игоря Безрукова, Иветты Померанцевой, Леонида Трупыря, Валерия Морозова и других.

«Птенцы моря»

35 мм., 6 минут, 1997 г.

Режиссер: Борис Казаков

«Колы»

35 мм., 8 минут, 1998 г.

Режиссер: Борис Казаков

«Мжалалафильм»

16 мм., ч.б., 4 минуты, 1986 г.

Режиссер: Денис Кузьмин.

В фильме снимались: Евгений Юфит, Андрей Мёртвый, Вета Померанцева.

Андрей Мертвый (Курмаярцев) — режиссер, один из первых участников некрореалистического движения. Родился 1959 году в Санкт-Петербурге. В 1985 году вошел в группу некрореалистов. В 1989 году как художник принимал участие в проекте Центра Помпиду и Русского Музея. Снимался в фильмах Евгения Юфита: «Весна», «Мужество», «Лесоруб».

Борис Казаков — российский режиссёр-аниматор, художник, актёр. Родился в 1964 году в Ленинграде. После окончания школы закончил Завод-ВТУЗ. В 1988-1990 годах начал заниматься живописью и выставляться с группой «Старый город». С 1990 года работал с художником Иналом Савченковым в составе Школы «Инженеры Искусств». В 1996 году в традиционной для параллельного кино технике рисования поверх изображения на кинопленке (scratch) Борис Казаков сделал свой первый авторский фильм «Птенцы моря». Картина участвовала в фестивалях в Тампере, Штутгарте и была отмечена дипломом жюри в Оберхаузене-98. В 1999 году со вторым своим фильмом «Колы» режиссер был приглашен в конкурс Берлинского фестиваля, на фестивали в Лейпциг, Иерусалим и был удостоен Гран-при фестиваля «Киношок». В 2000 году фильмы «Птенцы моря» и «Колы» были показаны в программе Роттердамского фестиваля, после чего были приобретены Музеем Кино в Амстердаме. Борис Казаков много экспериментирует в бескамерной анимации, нашел способ снимать кинофильмы фотоаппаратом, кроме того работает и в традиционной мультипликации.

Денис Кузьмин – режиссёр документального кино, сценарист, продюсер. Член Союза Кинематографистов РФ. Родился в 1963 году в Ленинграде. В 1986 году познакомился с Евгением Юфитом и вошёл в группу некрореалистов. В 1988 году четверо кинематографистов из этого творческого объединения – Евгений Юфит, Игорь Безруков, Денис Кузьмин и Константин Митинёв составили первый набор киношколы Александра Сокурова. После окончания киношколы работал на киностудиях «Лендок», «Леннаучфильм», телевидении и других кинокомпаниях. Создал более 30 фильмов. Часть из них отмечены призами международных и российских кинофорумов. Основатель и руководитель студии «Гала-Видео».

После показа фильмов состоится обсуждение с авторами. Вход свободный.

Общество «А–Я» совместно с Марией Ермоленко запускает авторскую лабораторию по созданию фотокниги. В лаборатории вы сможете создать проект и оформить его в книгу или собрать зин воспоминаний со своими фотографиями. Участники освоят механику создания авторских книг с нуля, научатся сшивать, склеивать и делать обложку своими руками.

В программе:

— групповые занятия по изучению авторских фотокниг;

— разработка собственного уникального проекта, от идеи до физического воплощения;

— обучение всем этапам создания книги: идея, структура, внешний облик, верстка макета, печать и сшивка;

— занятия в Adobe InDesign;

— креативная работа в группе.

Для кого этот курс?

Для тех, кто хочет научиться вручную создавать книги и переосмыслить личный архив фотографий в группе единомышленников.

Преподаватель — Мария Ермоленко, художница, арт-директор, главный редактор независимого печатного журнала о современной фотографии Grandmama’s Print, который основала в 2020 году. Мария создает книги вручную и занимается изданием больших тиражей в типографиях, под каждый проект разрабатывает уникальный дизайн.

Занятия проходят каждую субботу в Обществе «А–Я» с 13:00 до 18:00. Стоимость курса — 15 000 рублей, в сумму входит шесть интенсивных занятий, материалы и инструменты для создания книги, сертификат об участии в лаборатории. Необходимы ноутбук, подборка фотографий.

Количество мест в группе ограничено.

18+

ПРОГРАММА

9 ноября | Знакомство

Смотрим и обсуждаем авторские книги, просматриваем материалы участников, обсуждаем идеи и пожелания. (Участники приходят с распечатками фотографий.)

16 ноября | Идея и форма

Продолжаем обсуждать идеи, придумываем облик книги (размер, верстку и др.), делаем первые черновики вручную.

23 ноября | Отбор и структура

Работаем над отбором и последовательностью материалов, продолжаем придумывать облик книги (обложку, переплет и др.).

30 ноября | Макет и верстка

Работаем в Adobe InDesign, верстаем макеты.

7 декабря | Мастер-класс по биговке, сшиванию, склеиванию, сбору обложки

Перед занятием участники распечатывают макеты и приходят с материалами для обложки (тканью, бумагой и др.). На занятии делаем биговку, сшиваем, склеиваем книги, продолжаем работать над книжным блоком.

14 декабря | Финальный показ и афтепати

Проводим открытую презентацию лаборатории, отмечаем наши успехи.

Санкт-Петербургское Общество «А–Я» представляет выставку «Грот Венеры» признанной петербургской художницы Беллы Матвеевой.

В экспозиции представлены графические произведения, созданные в период с 1990 по 2004 годы, а также фильмы «Воскресение» и «Золото не серебро», которые сняты на 16-миллиметровую камеру. Проект в Обществе «А–Я» дает представление о широком спектре исканий Беллы Матвеевой, которая также работает в жанре фотографии, занимается кино и театральными постановками.

Название выставки отсылает к средневековому мифу о Тангейзере. По сюжету, странствующий Тангейзер был очарован Венерой и, поддавшись искушению, отправился в ее грот, в котором провел семь лет в забавах и развлечениях.

Персонажи с полотен художницы отсылают к эстетике ар-нуво и мирискусников. Как отмечает искусствовед Аркадий Ипполитов, «странные и пряные видения, высокомерно не обращающие внимания ни на какие приметы современности, проходят пленительно и гордо по ее полотнам, доказывая, что в Петербурге всегда Серебряный век, что время над ним не властно, и что нет ничего естественней для подлинного петербургского жителя, чем ощущение себя персонажем рискованной игры, богемного позерства, которое, в сущности, не что иное, как подвиг».

В творчестве Беллы Матвеевой реализуются идеи, которые лежали в основе принципов Новой академии изящных искусств, основанной художником Тимуром Новиковым в 1989 году. Академия способствовала культурному перевороту в России поздней советской эпохи и являлась подразделением Общества «А–Я». «Новые художники» стремились к сохранению классической эстетики в современной художественной практике.

Произведения Беллы Матвеевой находятся в собраниях российских и зарубежных музеев, а также во многих частных коллекциях.

Возрастное ограничение 18+

Санкт-Петербургское общество «А–Я» продолжает серию экспериментальных проектов. «Фаза» — дебютная персональная выставка молодой художницы Марии Маркеловой. В экспозиции представлены живопись, инсталляция и видео.

От древнегреческого «фаза» (φάσις, φάσεως) — «утверждение», «появление». Инсталляция, которая внешне напоминает портал, перемещает зрителя в иррациональное измерение.

Пространство «Фазы» во многом напоминает вселенную кинорежиссера Дэвида Линча: сюрреалистичный мир-галлюцинация, который полон неожиданных образов, символов и абстрактных форм.

«Чем больше вы добавите черного в любой цвет — тем он начинает более располагать к грезам и снам. Темнота имеет глубину. Вы начинаете видеть собственные страхи. И вместе с этим вы можете видеть то, что вы любите. Все это напоминает сон», — так Дэвид Линч рассуждает об использовании черного цвета. Черный в полотнах Марии Маркеловой — это космос и абсолют, в пространстве которого свободно существуют цветные герои мультфильмов.

«Фаза» — это не просто выставка, это переживание, путешествие внутри себя. Бегство от действительности или, напротив, приближение к абсолютной истине — цель перехода может быть любой, ее определяет для себя сам зритель во время осмотра экспозиции.

Мария Маркелова окончила кафедру монументально-декоративной живописи в Академии им. А. Л. Штиглица, участвовала в ряде групповых выставок в Санкт-Петербурге. Экспериментируя с материалами и соединяя в работах приемы классической живописи, мультипликации и линейной графики, художница стремится создать уникальную комбинацию формы и идеи. В своих произведениях Мария размышляет о взаимодействии живой и неживой материи, внутреннем мире человека, пограничных состояниях и непостоянстве.

Вход свободный

«Цех культуры» — фотопроект Антона Селезнёва (SelOne), в котором автор исследует мастерские, а также повседневную жизнь и быт ведущих современных художников Петербурга.

Среди героев снимков SelOne — Владимир Абих, Стас Багс, Виктор Забуга, Максим Има, Саша Трун, Никита Dusto и другие. Многие из авторов начинали как уличные художники, были анонимны и обезличены. Сегодня их имена известны, а стили узнаваемы. Выставка «Цех культуры» в Обществе «А–Я» предоставляет зрителю уникальную возможность познакомиться с окружающей средой людей, которые создают актуальное искусство.

SelOne тяготеет к классической документальной фотографии. В работах он не просто фиксирует творческий быт художников, но и сам принимает участие в процессе; фотограф — не наблюдатель, а соучастник происходящего в кадре. В проекте представлены интерьеры и портреты, которые сняты на средний и большой формат. Все фотографии были сделаны в течение 2023 года.

SelOne (Антон Селезнёв) (род. 1988) — документальный фотограф из Санкт-Петербурга, в своих работах создает образ поколения рожденных в 1990-х годах. Среди направлений в творческой деятельности — граффити и стрит-арт фотография. Фотограф снимает на пленочную и на цифровую камеру, вдохновляется мировой фотожурналистикой. Принимал участие в ряде зарубежных и отечественных групповых выставок. «Цех культуры» — первая персональная выставка автора, которая является частью совместного проекта Общества «А–Я» и РОСФОТО «Современная российская фотография». Работы SelOne на данный момент принимают участие в масштабной групповой выставке «НОРМКОР. Практики повседневности в современной молодежной фотографии» в РОСФОТО. С подробной информацией можно ознакомиться на сайте музея.

Образовательно-исследовательская программа

Уличное искусство временно, и зачастую фотография — единственная форма его сохранения. В городской среде стрит-арт может исчезнуть очень быстро, именно поэтому многие художники обращаются к фотографии как к технике фиксации уличного искусства.

В рамках совместного проекта «Современная российская фотография» общество «А–Я» и РОСФОТО представляют серию мероприятий, посвященных взаимодействию фотографии и уличного искусства в культурном пространстве. Вместе с ведущими исследователями и художниками можно будет изучить процесс сосуществования различных по природе видов изобразительного искусства.

18 ноября

17:00

Диалог фотографии и субкультуры: паблик-ток с художниками

Фотография играет интересную и важную роль в уличном искусстве. По природе своей граффити и паблик-арт — недолговечные формы, поэтому фотодокументация часто является единственным способом сохранения работ художников в истории. Иногда эскиз работы для улицы готовится специально с расчетом на съемку. Многие фотографы прямо специализируются на съемке уличного искусства. Во время дискуссии участники обсудят все виды взаимодействия фотографии и уличного искусства и поделятся личным опытом.

Участники: Владимир Абих, Никита Dusto, Антон SelOne.

Модератор — Екатерина Юшкевич, художница, исследователь фотографии, специалист по экспозиционно-выставочной деятельности РОСФОТО, куратор стрит-арт-фестиваля «Арт-стена».

25 ноября

17:00

Фотография в творчестве уличных художников. Лекция

Многие уличные художники создают произведения на основе своих снимков и обращаются фотографии как ключевому медиа. Мария Стрельникова расскажет о различных видах интеграции фотографии и уличных практик современных авторов на примере творчества Владимира Абиха, Никиты Dusto, Алексея Партолы, Сергея Красавина и других.

Мария Стрельникова — научный сотрудник отдела новейших течений Русского музея, исследователь российского и зарубежного уличного искусства.

3 декабря

15:00

Документация, наблюдение, вдохновение: роль фотографии в уличном искусстве. Лекция

Лекция расскажет о роли документальной фотографии конца 1960-х, о сериях классика документалистики Брассая, об атмосферном фотоисследовании нью-йоркской граффити-сцены авторства Марты Купер и Генри Челфанта. На примере практик современных уличных художников лектор рассмотрит фотографию как самостоятельный жанр и уделит внимание стрит-хантингу, как одному из актуальных проявлений фотоохоты.

Лекцию прочтет Игорь Поносов — художник, куратор, теоретик уличного искусства. Автор книг «Искусство и город» и Russian Urban Art: History and Conflicts. Лауреат премии Сергея Курёхина в области современного искусства, номинант премий Кандинского и Московской Арт Премии. Куратор выставочных и фестивальных проектов.

Программа «Фотография и уличное искусство: взаимосвязь и парадоксы» организована в рамках выставки «Цех культуры», которая является частью совместного проекта общества «А–Я» и РОСФОТО «Современная российская фотография». В выставке «Цех культуры» фотограф Антон Селезнёв (SelOne) исследует мастерские ведущих художников современного Петербурга, многие из которых занимались и продолжают заниматься уличным искусством.

Общество «А–Я» представляет новый выставочный проект нижегородского фотографа Ильи Большакова «Кэжуал». Выставка подготовлена при поддержке РОСФОТО и является частью проекта «Современная российская фотография», который знакомит зрителя с творчеством молодых талантливых художников из разных регионов России.

Главным героем и объектом наблюдения автора становится Город — неоднозначный и до конца себя не определивший организм, который фотограф застает в процессе изменений и реновации. Это исследование не людей, пейзажей и ландшафтов, а противоречивости города, как живого героя со своими особенностями.

Автор ставит документальность в приоритет, в серии нет ни одной постановочной фотографии. Несмотря на реализм, ощутимый в цветовой гамме, фотографии не просто отражают действительность, а содержат критическое отношение художника. Документальность работ Большакова не информационная и сугубо репортажная, в ней есть место эмоции.

«Когда я начал заниматься фотографией, то осознанно проникся городом, потому что начал его изучать и искать красоту в повседневных вещах. Я тщательнее стал всматриваться в окружающее меня пространство и через фотографию его полюбил и понял. В Нижнем Новгороде стоит острый вопрос старого и нового. В архитектуре сочетаются вещи абсолютно из разных эпох: с огромными стеклянными постройками могут соседствовать деревянные малоэтажные дома. В этом контрасте как будто отражена вся Россия»

размышляет фотограф.

Серия «Кэжуал» Ильи Большакова — современная фотография, актуальность которой выходит за рамки Нижнего Новгорода и России в целом.

Илья Большаков сотрудничал с различными изданиями, проектами и площадками. В 2022 году с друзьями создал сообщество «Знакомьтесь, Нижний», которое насчитывает несколько тысяч подписчиков в Telegram и Вконтакте и регулярно публикует различные путеводители по Нижнему Новгороду и его окрестностям.

Вход на выставку свободный.

Возрастное ограничение 18+

Общество «А–Я» открывает новый выставочный год проектом молодой петербургской художницы. На этот раз зрители увидят графику и инсталляции, коллажи и настенную скульптуру. Художница размышляет на тему детской чувствительности и ранимости.

Персонажи, живущие в экспозиции, отсылают к героям полотен Анри Матисса, лидера течения фовистов, искусству которых была свойственна детская наивность. Матисс подчеркивал: «Нужно смотреть на мир глазами ребенка». Современный автор через свои работы пытается призвать сегодняшнего зрителя к доброте и неравнодушию.

Полина Уварова — выпускница кафедры художественного оформления металла Академии Штиглица, принимала участие в марафоне групповых выставок Sturm curatory group и в проекте «Ленинградские светлячки». В своем творчестве Полина прибегает разнообразным техникам и материалам, объединяя графику и металл, текст и коллаж, литье и гравировку.

Вход свободный.

Работая в жанре стрит-фотографии, Сергей Березкин в течение семи лет собирал серию «Невидимое», пристально наблюдая за пространством города и тем, что оно содержит. Во взаимодействии с открытой средой фотографа привлекают не пейзажи или общие планы, но мелкие, упускаемые из виду невооруженным глазом предметы, которые могут рифмоваться между собой в границах кадра. По словам автора, при создании снимка его привлекают странные и неочевидные пересечения (в цвете, форме, размерах); комбинации при этом также могут состоять из неожиданных элементов: обертки шоколада и бампера автомобиля, блика на стене и хвоста кошки. Соединяясь в одном кадре, эти предметы складываются в причудливую композицию. Стилистика кадров Сергея Березкина вдохновлена зарубежной фотографией 60–70-х годов и визуальным языком американского кинематографа тех лет.

Один из принципов, которым следует Сергей Березкин, заключается в импровизационности и интуитивном подходе к съемке. Каждая его пленка — результат хаотичного путешествия по реальности.

«В основу серии легла идея поиска объектов и деталей в привычной городской инфраструктуре, взаимодействующих между собой, способных создать отдельную картину. Начальный легкомысленный этап, который позволял запечатлевать почти все подряд, неизбежно привел к более критическому подходу, где степень концентрации и поиска показали другую сторону восприятия. Все вокруг стало приобретать смысл, изначально отсутствовавший», — делится ощущениями фотограф.

Сергей Березкин — фотограф из Санкт-Петербурга, участник выставок в Петербурге и Чехии. С 2015 года посредством фотографии исследует городскую среду, в первую очередь обращая внимание на связь между человеком и пространством вокруг.

«Невидимое» — четвертая выставка проекта «Современная российская фотография», который подготовлен Санкт-Петербургским обществом «А-Я» совместно с музейно-выставочным центром РОСФОТО с целью поддержки и продвижения талантливых российских художников и фотографов. В рамках проекта уже прошли выставки «Они» Владимира Горбунова, «Районwave» Владислава Третьяка и «Бренды» Дмитрия Провоторова.

Общество «А–Я» представляет новый выставочный проект «Природа вещей и надежд». Серия фотографий молодой художницы из Санкт-Петербурга Дарьи Пискаревой посвящена теме дома и детства. В экспозицию входят цветные пейзажи и натюрморты, а также несколько черно-белых снимков. Выставка подготовлена в рамках совместного проекта РОСФОТО и «А–Я» «Современная российская фотография», который знакомит зрителей с творчеством талантливых современных художников и фотографов из различных регионов России.

Замысел «Природы вещей и надежд» автор описывает так:

«Эта серия снимков — диалог с собой с помощью наблюдения, отклик на мое окружение и попытка найти свое место среди бесконечных взаимосвязей родной земли, ее природы, семьи и памяти. Это Надежда отыскать точку опоры в ностальгии, а затем и в самой себе».

Дарья Пискарева — выпускница школы «Докдокдок» по направлению «Опыты современной фотографии». Профиль под никнеймом yourducky в социальной сети, где художница делится фотографиями, насчитывает 46 тысяч подписчиков. Отечественные и зарубежные цифровые журналы, среди которых «Wul Magazine» (Израиль), «C41» (Италия–Франция–Нидерланды), «Fisheye» (Франция), «Nowhere diary» (Дания), «The Calvert Journal» (Россия) делали публикации о творческом методе фотографа и ее проектах. Однако, несмотря на широкую аудиторию и признание Дарьи в медиапространстве, выставка в «А–Я» стала для нее дебютной.

«Я немного волнуюсь, поскольку это моя первая выставка вообще, что предполагает уже иной формат взаимодействия со зрителем — личная встреча, отсутствие заслонок в виде социальных сетей, живой разговор. С точки зрения получения нового опыта для меня, как для автора, это однозначно важно, так как мне бывает довольно непросто выбираться во внешний мир, взаимодействовать и предъявлять себя в качестве художника»,

— делится переживаниями Дарья Пискарева.

«Природа вещей и надежд» — 5-й по счету проект в обществе «А–Я», в котором авторы получают полную поддержку в реализации дебютной персональной выставки. Часть работ, представленных в экспозиции, будет передана в коллекцию РОСФОТО.

Вход на выставку свободный.

Владислав Третьяк — фотограф и графический дизайнер, финалист конкурса Makers of Siberia Photo Prize 2019 года. Автор родом из сибирского города Кемерово, суровые индустриальные ландшафты которого научили его находить уникальность в обыденных вещах, работать со сложными для съемки фактурами, освещением и монохромной гаммой пейзажа. Панельные дома, старые машины и вывески магазинов становятся главными героями полных лирики и романтизма снимков фотографа, выходя за рамки своего повседневного существования.

«В ночи привычные улицы не кажутся серой провинцией, приобретая свою романтику и спокойствие, которые все сложнее найти в больших городах. Этот проект был начат как поиск „nocturne americana“-эстетики в родном Кузбассе: неоновые вывески, тихие пригороды, классические машины, что-то, казавшееся таким далеким и притягивающим, что я видел только в кино и на картинках; параллелей на родных улицах можно провести множество», — объясняет автор название «Районвейв».

В экспозицию выставки вошли работы из проекта «Anytown. Siberia» (2016–2022). Неон, огни машин, теплый свет окон делают эти снимки притягательными и кинематографичными. На фотографиях передан собирательный образ сибирских улиц без привязки к конкретному месту, что дает зрителю свободу в размышлениях о том, насколько схожи или различны городские ландшафты регионов России.

Главный хранитель музейных предметов РОСФОТО Игорь Валерьевич Лебедев, принимавший участие в отборе работ на выставку, так описывает свои впечатления:

«Кажущаяся пустынность мест съемки на фотографиях Владислава Третьяка дает пейзажному пространству раскрыться, обращая внимание зрителя на обычно ускользающие от него моменты городской среды. Так, свечение уличной рекламы меняет окружение, делая его контрастным, и, за счет своей теплоты и яркости, трансформирует привычное нам восприятие темного неба, заснеженных улиц и холода, открывая город с новой стороны. При первом взгляде на работы фотографа сначала западаешь на пустоту в кадре и только потом начинаешь обращать внимание на странную жизнь внутри: ночные окна, продолжающие бодрствовать люди, спящие машины и движение на дороге в свете фонарей. Происходит переход от социальной среды, связанной с кипящей жизнью людей, в среду спящего города, где все, что раньше рождало движение, застыло, остановилось. Стимулируется ощущение жесткости и статичности заснятого пространства, которое погружено не просто в сон, а летаргию, свойственную северным зимним просторам — обездвиженным, но при этом прекрасным. Автор уловил это свойство маленького города легко погружаться в состояние оцепенения и спячки, что отличает его от улиц мегаполисов, чья жизнь не останавливается ни на секунду».

Проект является частью юбилейной программы Государственного музейно-выставочного центра РОСФОТО, который в этом году отмечает свое 20-летие, и знакомит зрителей с творчеством талантливых современных художников и фотографов из различных регионов России. Программа включает серию персональных выставок таких авторов, как Владимир Горбунов, Владислав Третьяк, Дмитрий Провоторов и других. Работы авторов будут переданы в коллекцию РОСФОТО.

Санкт-Петербургское «А-Я» при поддержке РОСФОТО представляет выставку Владимира Горбунова «ОНИ».

Зрители увидят серию работ, выполненных в технике фотореализма в сочетании с академической школой рисунка, а также трехмерные объекты. В основе практически каждого произведения автора лежит фотография, или её живописное переосмысление во всём многообразии жанров: от студийного семейного портрета до пейзажа.

Вход свободный.

Дмитрий Провоторов — петербургский художник, фотограф, известный экспериментами в фотографии и уникальным видением. Автор стремится к условности и намеренно акцентирует фотографическую природу черно-белого изображения. Его проекты были представлены на международных выставках искусства в Италии, США, Испании и России. С 2000 года начал активно работать в области черно-белой фотографии, используя возможности ручной печати и исторические техники.

Свои предыдущие проекты — «Крылья», «Берег», «Письма из Поднебесной» и другие — автор снимал на пленку и вручную печатал на бумаге, часто экспериментируя с техниками: мокрой печатью, контратипированием, вирированием и т. д.

Задуманный в конце февраля и воплощенный весной этого года проект «Бренды» — первый проект Провоторова, выполненный в технике амбротипии. Это фотографический процесс, изобретенный в середине XIX века и заключающийся в получении позитивного изображения на стеклянной пластине, предварительно покрытой коллодионной эмульсией. В результате получается уникальное, штучное изображение, обладающее той подлинной «аурой» старой фотографической техники, по которой так тосковал Вальтер Беньямин, — когда свет с усилием прорывается сквозь темноту.

«Амбротипией я начал заниматься около восьми лет назад, потом взял паузу на несколько лет — вернулся к работе с пленкой и бумагой. В прошлом году снова стал снимать на коллодий. Я давно думал сделать проект в этой технике, но мне не хотелось снимать натюрморты в классической питерской традиции — со старинными бутылочками, вилочками, перышками и прочим. Вначале была только идея сделать современную серию, не имитирующую изображения столетней давности, но однажды дома мне на глаза попалась обувная коробка Adidas. Как раз тогда бренды начали уходить один за другим: от общедоступных (H&M, IKEA, Pepsi) до люксовых (Gucci, Prada и т. д.) — начался повальный исход. Тогда и сложилась концепция проекта: снять на стекла серию лаконичных (в каждом кадре только один предмет) натюрмортов — даже не предметов, а именно упаковок. Показать, что внутри них всегда была пустота, они никогда в себе ничего не содержали», — описывает возникновение идеи автор.

В «Брендах» классическая эстетика амбротипа побеждает современный дизайн, высвечивая отчужденность изображенных предметов. Как пишет Александр Секацкий в «Дезертирах с острова сокровищ», «чучела покупаемых вещей набиты трухой времени». И если раньше это время «составляло плоть чьей-то особенной жизни», то сейчас «это стандартная начинка, пригодная для удовлетворения материальных и духовных запросов — разумеется, таких же стандартных». Это отчуждение, когда человек не узнает себя в творениях своей же материальной культуры и оказывается объектом их воздействия, и преодолевает Провоторов, снимая известные бренды в технике амбротипии. Другая сторона отчуждения — освоение; а лишение, говоря словами Секацкого, иногда позволяет «обрести содержательность более высокого рода, значительно превосходящую содержимое потребительской корзины».

Помимо фотографий в экспозиции также представлена инсталляция: картонные коробки, внутри которых фигуры неандертальцев крушат рекламные щиты: живое первобытное начало разносит искусственный современный мир.

«Мне бы не хотелось объяснять зрителю общий посыл серии. Кто-то, увидев эти работы, всплакнет, почувствовав себя изгнанным из рая; другой увидит насмешку над обывателем, страдающим от того, что больше не может покупать вещи с дорогими его сердечку логотипами; третий, возможно, испытает „катарсис избавления“», — комментирует автор.

«Это глубокое размышление над предельными вопросами. Что есть имя? Что есть форма? Является ли форма именем, а имя — формой? И что есть содержание? И есть ли вообще какое-то содержание? Есть ли означаемое у знака, либо знак сам и есть свое означаемое? Не может ли быть так, что содержание есть лишь форма, вывернутая наизнанку? Наша реальность состоит из форм и имен, за которыми мы предполагаем какую-то субстанцию вещества, но может статься так, что вещества никакого и нет. В квантовом пределе вещество исчезает, остается лишь имя вещества, а субстанции нет. Может быть, мы хотим прорваться, вырваться, выломаться из мира упаковок, которыми являются и наши собственные тела и имена, в иное, настоящее бытие, в чистое содержание, лишенное лжи, маркетинга и мерчендайзинга. Но только вот есть ли оно? И что нас там ждет? Сияющая нирвана или черная безоболочная пустота? Страшно».

Герман Садуллаев о проекте «Бренды»

Проект является частью юбилейной программы Государственного музейно-выставочного центра РОСФОТО, который в этом году отмечает свое 20-летие, и знакомит зрителей с творчеством талантливых современных художников и фотографов из различных регионов России. Программа включает серию персональных выставок таких авторов, как Владимир Горбунов, Владислав Третьяк, Дмитрий Провоторов и других. Работы авторов будут переданы в коллекцию РОСФОТО.

Санкт-Петербургская общественная организация культуры «А-Я»

Благотворительный фонд «Антон тут рядом»

«Мосты» – это проект фотокружка благотворительного фонда «Антон тут рядом», подготовленный тремя студентами. Елизавета Кузнецова в серии «Снег. Какой? Первый» задействовала метод классической документальной фотографии, Роман Смаглюк создал несколько коллажей под названием «Работаю дежурным по переезду», а Илья Тестин представил набор контактных отпечатков. Основная идея проекта заключается в том, чтобы превратить фотокамеру в инструмент, который поможет свести людей разного бэкграунда и мировоззрения.

«На своём примере наши авторы перекидывают мосты и позволяют стороннему наблюдателю интерпретировать, на первый взгляд, непостижимое. Строительство моста требует вовлечения в процесс, в котором каждый из участников равен друг другу. Поэтому творческое пространство фотокружка не атомизировано, и нашим единственным инструментом всегда была и остаётся коммуникация»,

– разъясняют концепцию выставки кураторы. Ими выступили художник Алексей Павлов и документальный фотограф Светлана Булатова, которые также являются наставниками в фотокружке фонда.

Описывая процесс создания «Мостов», Алексей рассказывает:

«Взаимодействуя с фотографией, я обычно делюсь историями со зрителем и навыками с работодателем. И мне нравится делиться. Когда меня позвали в «Антон тут рядом», я понял, что это возможность открыть для себя абсолютно новую степень этой деятельности. При этом, я сам до конца не постиг, в чем особенность этой степени кроется. Наверное, в бездонной искренности и всеобъемлющей заботе, исходивших от всех людей, участвовавших в процессе. Уверен, это служило и источником вдохновения, подпитывало каждого из нас. Не стану заявлять за ребят, как они себя чувствовали во время работы кружка. Но хотелось бы верить, что им было комфортно. И что фотография действительно стала для них инструментом коммуникации».

Благотворительный фонд «Антон тут рядом» — фонд системной поддержки людей с аутизмом, основанный в 2013 году в Санкт-Петербурге. Фонд реализует программы, направленные на создание жизненного маршрута для человека с аутизмом в России: от ранней диагностики и дошкольного инклюзивного образования до сопровождаемого трудоустройства и самостоятельной жизни в обществе.

Во время работы выставки проводятся встречи с друзьями фонда и экскурсии от волонтеров.

Вход свободный

Феномен фотографии допустимо рассматривать со стороны изобразительного искусства и живописи, со стороны фототехники, а также – со стороны континуума теней и отражений, бликов, поскольку фотография изначально представляет собой в переводе с греческого «световое письмо».

18 августа в 18.00 в обществе «А-Я» философ Алексаднр Секацкий прочитает лекцию о феномене фотографии в контексте всеобщей истории теней и отражений. Тень, отброшенная на поверхность воды, отражение в зрачке и отражение в объективе – размышляя о том, чем они отличаются и какова их дальнейшая судьба, Александр попытается дать представление о том, каким образом фотография вписывается в континуум теней, бликов, отражений, с одной стороны, и художественные архивы мира с другой.

Александр Секацкий – кандидат философских наук, доцент философского факультета Санкт-Петербургского государственного университета. Автор книг художественно-философской эссеистики «Cоблазн и воля» (1999), «Онтология лжи» (2000), в том числе прозы «Два ларца: бирюзовый и нефритовый», вошедшей в шорт-лист премии «Национальный бестселлер» 2008 года.

Вход свободный.

Санкт-Петербургское общество «А-Я» совместно с Государственным музейно-выставочным центром РОСФОТО и при поддержке Комитета по культуре Санкт-Петербурга представляет выставку «Образы Петра I», приуроченную к празднованию 350-летия со дня рождения первого российского императора. В экспозицию выставки вошли работы четырнадцати современных ленинградских/петербургских фотографов и художников: Алексея Савкина, Владимира Антощенкова, Людмилы Таболиной, Дмитрия Горячева, Алексея Зеленского, Андрея Чежина, Дениса Фонтанова, Валентина Брязгина, Владимира Козина, Сергея Фалина, Александра Смирнова, Вадима Егоровского, Юрия Журавского, Виталия Смирнова. Каждый из авторов по-своему обыгрывает собственное отношение к великой исторической фигуре, определившей в числе прочих деяний и появление Санкт-Петербурга. Как для ленинградских, так и для петербургских авторов отправными точками становятся, прежде всего, памятники Петру I и исторические места, связанные с его жизнью и деятельностью. Другой важной основой их работы являются художественные литературные источники.

Фотография, изобретенная только в середине ХVIII века, не могла запечатлеть образ Петра I, но уже в 1870-х годах стала использоваться для его тиражирования. Одним из первых обратился к фоторепродуцированию живописных и графических образов императора художник Андрей Михайлович Лушев в 1870 году. Благодаря его стараниям прижизненный живописный образ Петра приобрел новое воплощение в фотографии, придав ему статус документального свидетельства, и позволил обывателям включить Петра I в галерею персонально почитаемых современников. Реинкарнация массового образа императора происходит в обществе в конце 1930-х годов, прежде всего, через кино. В выставочный ряд вошел снимок с фотопроб к фильму «Петр Первый», в котором роль Петра исполняет Николай Симонов, созданный им образ по-своему отражает дискуссию о том, как следует показывать Петра.

Самым ранним событием, определившим интерес фотографов к личности первого российского императора, стало открытие в 1782 году в Санкт-Петербурге «Медного всадника», ставшего подарком Екатерины II к 100-летию со дня рождения Петра I. Вероятно, уже начиная со второй половины 1840-х годов «Медный всадник», окончательно завершивший формирование ансамбля Сенатской площади, становится непременным объектом притяжения для петербургских и иностранных профессиональных фотографов, а с конца XIX века — и огромной армии фотолюбителей, которые формируют ряд видов на памятник, к началу 1900-х годов ставших классическими. Именно с «Медного всадника» начинается череда интерпретаций образа Петра I, сначала в литературе, живописи и графике, а затем и в фотографии.

В 1977–1978 годах Валентин Брязгин, пожалуй, впервые предлагает в пятнадцати черно-белых фотографиях яркий индивидуальный и эмоциональный взгляд на «Медный всадник». Запечатленный в разное время года, с разных точек, с разным масштабом памятник предлагает зрителю сформировать свой образ Петра. И в то же время невозможность поймать взгляд Петра на снятых крупным планом «портретах» памятника отсылает зрителя к созданному А. С. Пушкиным в поэме «Медный всадник» образу «маленького человека» — песчинки перед лицом исторических процессов преобразования государства. Соперником «Медному всаднику» в фотографических интерпретациях становится конный памятник Петру Великому, установленный Павлом I перед Михайловским замком в 1800 году.

В 1991 году к двум историческим памятникам, ставшим к этому времени знаковыми, прибавляется памятник Петру I, выполненный Михаилом Шемякиным. Скульптурная композиция, выражающая авторское понимание личности Петра, с первых дней буквально провоцирует петербургских фотографов на создание интерпретаций. Наиболее разнообразную иконографию образов императора разворачивает в ряду своих серий Андрей Чежин. Используя метафорический язык, художник создает сюжеты, отсылающие к петербургским мифологемам.

В процессе подготовки празднования 300-летия Петербурга в 2003 году формируется официальный образ Петра I, масштабно тиражируемый в праздничном оформлении. В авторской же фотографии прослеживаются тенденции к субъективизации образа Петра I с целями дальнейшей его реконструкции и авторского переосмысления.

03.12.2025 – 18.01.2026

«НЕМОЙГОРИЗОНТ» : выставка памяти художника и режиссера Евгения Юфита в «А–Я»

С 3 декабря в Обществе «А–Я» открывается выставка, посвященная памяти художника и режиссера Евгения Юфита. В экспозицию вошла серия фотографий, созданных с 1996 по 2014 год. Вместо вернисажа 13 декабря с 16:00 до 19:00 пройдет вечер памяти автора.

Евгений Юфит — советский и российский кинорежиссер, сценарист, художник и фотограф. Один из основоположников некрореализма в советском параллельном кино. Его часто сравнивают с представителями немецкого экспрессионизма и французского сюрреализма, а также с такими выдающимися режиссерами, как Андрей Тарковский и Джордж Ромеро, который лично представлял фильмы Юфита во время ретроспективы в Питтсбурге (США).

Творчеству Юфита посвящены многие монографии, диссертации, эссе, публикации как отечественных, так и зарубежных специалистов в области кино. Его работы представлены в государственных и частных коллекциях в России и за рубежом, среди них — коллекции Государственного Русского музея, Нидерландского киномузея, Музея современного искусства в Нью-Йорке (MoMA).

В программе выставки кинопоказы каждый вечер с 18:00.

14.02.2026 – 17.04.2026

Общество «А–Я» открывает выставочный сезон проектом Влада Третьяка — фотографа и дизайнера, чья выставка «Районwave» стала дебютной и для автора, и для организации в 2022 году. Это возвращение на круги своя, воспроизведение цикличности жизни через фотографию и многократное обращение к пространству.

Как бы мы ни стремились вырваться из рутины, жизнь неизбежно движется по кругу. Мы ищем новые впечатления, путешествуем, меняем города, занятия и окружение, но вновь возвращаемся к знакомым маршрутам. Наши решения, жесты и взгляды продиктованы внутренними паттернами, которые со временем становятся частью нас самих. Мы не столько выбираем новые пути, сколько заново проходим старые, лишь под немного иным углом.

Название выставки отсылает к одноименному фильму 1993 года с Биллом Мюреем, где герой застревает в петле времени, переживая 2 февраля снова и снова. Благодаря фильму выражение «день сурка» стало идиомой и означает рутину или повторение.

Влад Третьяк фиксирует в своих фотографиях это ощущение повторяемости и внутреннего ритма человеческого существования. Снимки, сделанные в одних и тех же местах, показывают, как меняется лишь поверхность — свет, погода, время суток, но не сама структура мира. Даже стремясь к разнообразию, мы остаемся верны привычным маршрутам, местам и состояниям.

В работах фотографа реальность отражается сама в себе, как в зеркале. Пространство, время и человек сплетаются в повторяющийся узор, где каждый кадр становится откликом предыдущего, создавая ощущение замкнутого, но живого цикла.

Владислав Третьяк (родился в 1994 году в городе Кемерово) — графический дизайнер и фотограф. В своем творчестве художник исследует окружающую среду и ее элементы, черпая вдохновение в ноктюрн-эстетике кинематографа. В работах Владислава разрушающиеся старые постройки и автомобили неотделимы от образа российской глубинки. Но именно пограничное состояние пространства между прошлым и будущим представляет интерес для автора, который способен увидеть красоту и смысл в увядании. Участник выставок и ярмарок в России и за рубежом.

Выставка продолжает совместный проект РОСФОТО и «А–Я» «Современная российская фотография», который знакомит зрителей с творчеством талантливых современных художников и фотографов из разных регионов России. После выставки часть произведений автора будет передана в коллекцию РОСФОТО.

Вход ― 200 рублей.
Невский проспект, 60 (двор кинотеатра «Аврора»)
ср. — вс., 12:00–20:00
Онлайн-магазин Общества «А–Я»
«А–Я» «ВКонтакте»

07.05.2026—14.06.2026

Санкт-Петербургское Общество «А–Я» совместно с музейно-выставочным центром РОСФОТО представляет выставку О. Н. И. (отдела научных исследований) Новой академии изящных искусств Тимура Новикова. В экспозиции представлены фотографии художников Дениса Егельского и Стаса Макарова.

О. Н. И. в начале своей деятельности сотрудничали с Музеем Новой академии изящных искусств, директором которого с 1994 по 2002 год был Тимур Новиков. В середине 1990-х годов художники Тимур Новиков, Денис Егельский, Стас Макаров, Андрей Медведев и Егор Остров сосредоточили внимание на взаимодействии современного искусства, античности и позитивных фотографических техник печати. Результатом исследования стало создание ряда уникальных произведений на стыке изобразительного искусства и фотографии. Светописные технологии для О. Н. И. оказались последним прибежищем традиционалистов в дебрях современного изобразительного искусства. Изображения, получаемые при помощи света требуют стройного и рационального технологического подхода. Это своего рода современная алхимия, объединяющая в себе оптическую физику, химические превращения, цветоведение, композицию — то есть все то, что в совокупности является традиционным набором в изобразительном искусстве с незапамятных времен.

Изначально в живописи существовало два способа построения пространства картины: гармоническое и оптическое, условно этот подход можно определить как «византийский» «восточный» и, соответственно, «европейский» или «западный». Объединить живопись, графику и фотографию стало возможным в начале XIX века, чем собственно и занимались пионеры светописи, являющиеся в основной своей среде художниками и учеными. Их исследования и рецептура остались в своей самой интересной части мало востребованы, а иногда и вовсе утеряны. На протяжении более чем 30 лет О.Н.И. занимаются ее восстановлением, переосмыслением и адаптацией к возможностям нашего времени и, что вполне закономерно, созданием новых технологических приемов.

В 2024 году в РОСФОТО прошла выставка «О. Н. И. Фотоэксперименты Новой академии изящных искусств Тимура Новикова», представившая уникальные художественные произведения созданные на основе экспериментов в области старинных фотографических техник: гуммиарабик, бромойль, техники ван Эйка и т. д. Выставка в «А–Я» продолжает знакомить зрителей с уникальными фотоисследованиями. В новой экспозиции в контексте общего технологического направления «декоративно-прикладная монументальная фотография» будут представлены три техники: «фотохризография», «многослойная лаковая фотография» и «фотомозаика».

В 2000-х Санкт-Петербургское общество «А–Я» стало точкой притяжения всего ленинградского андеграунда. С самого основания и по сей день, общество «А–Я» всячески поддерживает независимых художников и сообщества, предоставляя мастерские для работы, организуя выставки, резиденции и другие инициативы. С этим пространством связаны самые яркие художественные объединения того периода: Новая академия изящных искусств, «Митьки», «Некрореалисты», «Деревня художников», «Кружок рисования» и другие.

Вход ― 200 рублей.
«А–Я» «ВКонтакте»